Kunstgeschichte 101 Ein flotter Spaziergang durch die Kunstepochen

Zieh deine vernünftigen Schuhe an, während wir uns auf den Weg machen äußerst Kurzer Kunstrundgang durch die Jahrhunderte. Der Zweck dieses Stückes ist es, die Höhepunkte zu treffen und Ihnen die Grundlagen der verschiedenen Epochen in der Kunstgeschichte zu vermitteln.

Prähistorische Epochen

30.000-10.000 v. Chr .: Altsteinzeit

Paläolithische Völker waren streng Jäger und Sammler, und das Leben war hart. Der Mensch machte einen gigantischen Sprung im abstrakten Denken und begann in dieser Zeit, Kunst zu schaffen. Das Thema konzentrierte sich auf zwei Dinge: Essen und die Notwendigkeit, mehr Menschen zu erschaffen.

10.000-8.000 v. Chr.: Mittelsteinzeit

Das Eis begann sich zurückzuziehen und das Leben wurde etwas einfacher. In der Mittelsteinzeit (die in Nordeuropa länger dauerte als im Nahen Osten) bewegte sich die Malerei aus den Höhlen auf Felsen. Die Malerei wurde auch symbolischer und abstrakter.

8000-3000 v. Chr .: Jungsteinzeit

Schneller Vorlauf in die Jungsteinzeit mit Landwirtschaft und domestizierten Tieren. Jetzt, da das Essen reichlicher war, hatten die Menschen Zeit, nützliche Werkzeuge wie Schreiben und Messen zu erfinden. Das Messteil muss sich für die Megalithbauer als nützlich erwiesen haben.

Ethnographische Kunst

Es ist anzumerken, dass die Kunst der "Steinzeit" für eine Reihe von Kulturen bis in die Gegenwart auf der ganzen Welt florierte. "Ethnografisch" ist ein praktischer Begriff, der hier bedeutet: "Der westlichen Kunst nicht den Weg weisen".

Alte Zivilisationen

3500-331 v. Chr .: Mesopotamien

Das "Land zwischen den Flüssen" sah eine erstaunliche Anzahl von Kulturen, die aus der Macht auf- und abstiegen. Das Sumerer gab uns Zikkurate, Tempel und viele Skulpturen von Göttern. Noch wichtiger ist, dass sie natürliche und formale Elemente in der Kunst vereinten. Das Akkadier stellte die Siegesstele vor, deren Schnitzereien uns für immer an ihre Kampfkraft erinnern. Das Babylonier verbesserte die Stele und verwendete sie, um den ersten einheitlichen Gesetzeskodex aufzuzeichnen. Das Assyrer Architektur und Bildhauerei waren sowohl im Relief als auch in der Runde unübersehbar. Irgendwann war es das Perser die das ganze Gebiet - und seine Kunst - auf die Karte brachten, als sie angrenzende Gebiete eroberten.

3200-1340 v. Chr .: Ägypten

Kunst im alten Ägypten war Kunst für die Toten. Die Ägypter bauten Gräber, Pyramiden (kunstvolle Gräber) und die Sphinx (auch ein Grab) und schmückten sie mit farbenfrohen Bildern der Götter, von denen sie glaubten, dass sie im Jenseits regierten.

3000-1100 v. Chr .: Ägäische Kunst

Das Minoisch Kultur, auf Kreta und der Mykener in Griechenland brachten uns Fresken, offene und luftige Architektur und Marmoridole.

Klassische Zivilisationen

800-323 v. Chr .: Griechenland

Die Griechen führten die humanistische Erziehung ein, die sich in ihrer Kunst widerspiegelt. Keramik, Malerei, Architektur und Skulptur entwickelten sich zu kunstvollen, kunstvollen und dekorierten Objekten, die die größte Schöpfung von allen priesen: den Menschen.

6.-5. Jahrhundert v. Chr.: Die etruskische Zivilisation

Auf der italienischen Halbinsel haben die Etrusker die Bronzezeit in großem Maße aufgegriffen und Skulpturen geschaffen, die sich durch Stilisierung, Ornamentik und viel Bewegung auszeichnen. Sie waren auch begeisterte Produzenten von Gräbern und Sarkophagen, ähnlich wie die Ägypter.

509 BCE-337 CE: Rom

Als sie bekannt wurden, versuchten die Römer zunächst, die etruskische Kunst auszulöschen, gefolgt von zahlreichen Angriffen auf die griechische Kunst. Frei von diesen beiden eroberten Kulturen entlehnt, schufen die Römer einen eigenen Stil, für den sie zunehmend eintraten Leistung. Architektur wurde monumental, Skulpturen mit umbenannten Göttern, Göttinnen und prominenten Bürgern, und in der Malerei wurde die Landschaft eingeführt und die Fresken wurden riesig.

Erstes Jahrhundert-c. 526: Frühchristliche Kunst

Die frühchristliche Kunst fällt in zwei Kategorien: die der Verfolgungsperiode (bis zum Jahr 323) und die nach Konstantin dem Großen anerkannte Christenheit: die Periode der Anerkennung. Der erste ist in erster Linie für den Bau von Katakomben und tragbaren Kunstgegenständen bekannt, die versteckt werden könnten. Die zweite Periode ist durch den aktiven Bau von Kirchen, Mosaiken und den Aufstieg der Buchmacherei gekennzeichnet. Die Skulptur wurde nur für Reliefs herabgestuft - alles andere wäre als "geschnitzte Bilder" eingestuft worden.

c. 526-1390: Byzantinische Kunst

Kein abrupter Übergang, wie die Daten andeuten, der byzantinische Stil löste sich allmählich von der frühchristlichen Kunst ab, ebenso wie die Ostkirche weiter vom Westen abwuchs. Die byzantinische Kunst zeichnet sich dadurch aus, dass sie abstrakter und symbolischer ist und sich weniger mit dem Vorwand der Tiefe oder der Schwerkraft befasst, die in Gemälden oder Mosaiken sichtbar werden. Die Architektur wurde ziemlich kompliziert und Kuppeln dominierten.

622-1492: Islamische Kunst

Die islamische Kunst ist bis heute als sehr dekorativ bekannt. Seine Motive lassen sich wunderbar von einem Kelch über einen Teppich bis zur Alhambra übersetzen. Der Islam hat Verbote gegen den Götzendienst, daher haben wir wenig Bildgeschichte.

375-750: Migration Art

Diese Jahre waren in Europa ziemlich chaotisch, da Barbarenstämme Orte suchten (und suchten und suchten), an denen sie sich niederlassen konnten. Häufige Kriege brachen aus und ständige ethnische Umsiedlungen waren die Norm. Kunst war in dieser Zeit notwendigerweise klein und tragbar, meist in Form von dekorativen Anstecknadeln oder Armbändern. Die leuchtende Ausnahme von diesem "dunklen" Zeitalter in der Kunst trat in Irland auf, das das große Glück hatte, einer Invasion zu entkommen. Für eine Weile.

750-900: Karolingerzeit

Karl der Große baute ein Imperium auf, das seine zankenden und unfähigen Enkel nicht überlebte, aber die kulturelle Erneuerung, die das Imperium hervorbrachte, erwies sich als dauerhafter. Aus Klöstern wurden kleine Städte, in denen Manuskripte in Massenproduktion hergestellt wurden. Goldschmieden und die Verwendung von Edel- und Halbedelsteinen waren im Trend.

900-1002: Die ottonische Zeit

Der sächsische König Otto I. entschied, dass er dort Erfolg haben könnte, wo Karl der Große versagte. Auch das hat nicht geklappt, aber die ottonische Kunst mit ihren starken byzantinischen Einflüssen hauchte Skulptur, Architektur und Metallarbeiten neues Leben ein.

1000-1150: Romanische Kunst

Zum ersten Mal in der Geschichte wird Kunst durch einen Begriff beschrieben andere als der Name einer Kultur oder Zivilisation. Europa wurde mehr zu einer zusammenhängenden Einheit, die vom Christentum und vom Feudalismus zusammengehalten wurde. Durch die Erfindung des Tonnengewölbes wurden Kirchen zu Kathedralen, und die Skulptur wurde ein wesentlicher Bestandteil der Architektur. In der Zwischenzeit wurde die Malerei hauptsächlich in illuminierten Manuskripten fortgesetzt.

1140-1600: Gotische Kunst

"Gothic" wurde zuerst geprägt, um den Architekturstil dieser Epoche (abweichend) zu beschreiben, der lange nach dem Ausscheiden von Bildhauerei und Malerei anhielt. Der gotische Bogen ermöglichte den Bau großer, hoch aufragender Kathedralen, die dann mit der neuen Technologie der Glasmalerei geschmückt wurden. Auch in dieser Zeit lernen wir mehr und mehr individuelle Namen von Malern und Bildhauern kennen, von denen die meisten bestrebt zu sein scheinen, alles Gotische hinter sich zu lassen. Tatsächlich begannen ab dem Jahr 1200 in Italien alle Arten wilder künstlerischer Innovationen.

1400-1500: Italienische Kunst des 15. Jahrhunderts

Dies war das goldene Zeitalter von Florenz. Seine mächtigste Familie, die Medici (Banker und wohlwollende Diktatoren), gaben verschwenderisch endlose Mittel für den Ruhm und die Verschönerung ihrer Republik aus. Künstler strömten für einen Teil der Größe herein und bauten, skulptierten, malten und begannen schließlich, "Regeln" der Kunst aktiv in Frage zu stellen. Die Kunst wiederum wurde merklich individueller.

1495-1527: Die Hochrenaissance

In diesen Jahren entstanden alle anerkannten Meisterwerke aus dem Sammelbegriff "Renaissance". Leonardo, Michelangelo, Raffael und Co. machten solche übertreffen Meisterstücke, die fast jeder Künstler für immer nicht einmal mehr gemacht hat Versuchen in diesem Stil zu malen. Die gute Nachricht war, dass es aufgrund dieser Renaissance-Größen nun als akzeptabel galt, Künstler zu sein.

1520-1600: Manierismus

Hier haben wir noch eine erste: eine abstrakt Bezeichnung für eine künstlerische Ära. Nach Raphaels Tod verfeinerten die Künstler der Renaissance weiterhin Malerei und Skulptur, aber sie suchten keinen eigenen neuen Stil. Stattdessen schufen sie auf die technische Art und Weise ihrer Vorgänger.

1325-1600: Die Renaissance in Nordeuropa

Eine Renaissance fand anderswo in Europa statt, jedoch nicht in klar definierten Schritten wie in Italien. Länder und Königreiche waren damit beschäftigt, sich einen Namen zu machen (Kämpfe), und es gab diesen bemerkenswerten Bruch mit der katholischen Kirche. Die Kunst trat gegenüber diesen anderen Ereignissen in den Hintergrund, und die Stile wechselten von der Gotik über die Renaissance bis zum Barock in einer Art nicht zusammenhängender künstlerischer Basis.

1600-1750: Barockkunst

Humanismus, Renaissance und Reformation haben zusammengearbeitet, um das Mittelalter für immer hinter sich zu lassen, und Kunst wurde von den Massen akzeptiert. Künstler des Barock führten menschliche Emotionen, Leidenschaft und neues wissenschaftliches Verständnis in ihre Werke ein - viele davon behielten religiöse Themen bei, unabhängig davon, welche Kirche den Künstlern am Herzen lag.

1700-1750: Rokoko

Was manche für einen unüberlegten Schachzug halten würden, führte das Rokoko die Barockkunst von einer "Augenweide" zu einer geradezu visuellen Völlerei. Wenn Kunst oder Architektur vergoldet, verschönert oder auf andere Weise über das "Dach" gehoben werden könnten, fügte Rokoko diese Elemente wild hinzu. Als eine Periode war es (gnädig) kurz.

1750-1880: Neoklassizismus versus Romantik

Zu dieser Zeit hatten sich die Dinge so weit entspannt, dass zwei verschiedene Stile für den gleichen Markt konkurrieren konnten. Der Neoklassizismus zeichnete sich durch ein getreues Studium (und Kopieren) der Klassiker aus, kombiniert mit der Verwendung von Elementen, die durch die neue Wissenschaft der Archäologie ans Licht gebracht wurden. Die Romantik widersetzte sich dagegen einer einfachen Charakterisierung. Es war eher eine Einstellung-eine, die durch die Aufklärung und den Beginn des sozialen Bewusstseins annehmbar gemacht wurde. Von diesen beiden hatte die Romantik von diesem Zeitpunkt an einen weitaus größeren Einfluss auf den Verlauf der Kunst.

1830er-1870: Realismus

Den beiden obigen Sätzen nicht bewusst, tauchten die Realisten (zuerst leise, dann ziemlich laut) mit der Überzeugung auf, dass Geschichte keinen Sinn hat und Künstler nichts wiedergeben sollten, was sie nicht persönlich erlebt hatten. In dem Bestreben, "Dinge" zu erleben, wurden sie in soziale Angelegenheiten verwickelt und befanden sich, nicht überraschend, oft auf der falschen Seite der Autorität. Realistische Kunst löste sich zunehmend von Form und umfasste Licht und Farbe.

1860er-1880: Impressionismus

Wo sich der Realismus von der Form entfernte, warf der Impressionismus die Form aus dem Fenster. Die Impressionisten machten ihrem Namen alle Ehre (den sie sicherlich selbst nicht geprägt hatten): Kunst war ein Eindruck und konnte als solcher ganz durch Licht und Farbe wiedergegeben werden. Die Welt war zuerst empört über ihre Unverschämtheit und akzeptierte sie dann. Mit der Akzeptanz kam das Ende des Impressionismus als Bewegung. Mission erfüllt; Die Kunst konnte sich nun frei ausbreiten.

Die Impressionisten änderten alles, als ihre Kunst akzeptiert wurde. Ab diesem Zeitpunkt konnten die Künstler frei experimentieren. Auch wenn das Publikum die Ergebnisse verabscheute, war es dennoch Kunst und gewährte damit einen gewissen Respekt. Bewegungen, Schulen und Stile - in schwindelerregender Zahl - kamen, gingen, gingen auseinander und verschmolzen manchmal.

Eigentlich gibt es keine Möglichkeit zu einer Übereinstimmung alle von diesen Entitäten noch eine kurze Erwähnung hier, so werden wir jetzt nur einige der bekannteren Namen behandeln.

1885-1920: Postimpressionismus

Dies ist ein praktischer Titel für etwas, das keine Bewegung ist, sondern eine Gruppe von Künstlern (hauptsächlich Cézanne, Van Gogh, Seurat und Gauguin), die den Impressionismus hinter sich gelassen und sich anderen, getrennten Bestrebungen zugewandt haben. Sie behielten das Licht und die Farbe des Impressionismus bei, versuchten aber, einige der anderen Elemente zu platzieren von Kunstform und Linie zum Beispiel zurück im Kunst.

1890-1939: Die Fauves und der Expressionismus

Die Fauves ("wilde Tiere") waren französische Maler, angeführt von Matisse und Rouault. Die von ihnen geschaffene Bewegung mit ihren wilden Farben und Darstellungen primitiver Objekte und Menschen wurde als Expressionismus bekannt und verbreitete sich insbesondere in Deutschland.

1905-1939: Kubismus und Futurismus

In Frankreich erfanden Picasso und Braque den Kubismus, bei dem organische Formen in eine Reihe geometrischer Formen zerlegt wurden. Ihre Erfindung würde sich als grundlegend für die Bauhaus in den kommenden Jahren und inspiriert die erste moderne abstrakte Skulptur.

In Italien hat sich inzwischen der Futurismus herausgebildet. Was als literarische Bewegung begann, entwickelte sich zu einem Kunststil, der Maschinen und das Industriezeitalter umfasste.

1922-1939: Surrealismus

Im Surrealismus ging es darum, die verborgene Bedeutung von Träumen aufzudecken und das Unterbewusstsein auszudrücken. Es war kein Zufall, dass Freud seine bahnbrechenden psychoanalytischen Studien bereits vor der Entstehung dieser Bewegung veröffentlicht hatte.

1945-heute: Abstrakter Expressionismus

Der Zweite Weltkrieg (1939-1945) unterbrach jede neue Bewegung in der Kunst, aber die Kunst kehrte 1945 mit aller Macht zurück. Der Abstrakte Expressionismus, der aus einer zerrissenen Welt hervorging, verwarf alles - einschließlich erkennbarer Formen - außer Selbstausdruck und roher Emotion.

Ende der 1950er Jahre - Gegenwart: Pop und Op Art

Als Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus verherrlichte die Pop Art die banalsten Aspekte der amerikanischen Kultur und nannte sie Kunst. Es war Spaß Kunst allerdings. Und in der "Happening" Mitte der 60er Jahre kam Op (eine Abkürzung für optische Täuschung) Art auf die Bühne, gerade rechtzeitig, um sich gut in die psychedelische Musik einzufügen.

1970er Jahre-Gegenwart

In den letzten Jahren hat sich die Kunst blitzschnell verändert. Wir haben das Aufkommen von Performancekunst, Konzeptkunst, digitaler Kunst und Schockkunst erlebt, um nur einige neue Angebote zu nennen.

Ideen in der Kunst werden niemals aufhören, sich zu verändern und voranzutreiben. Auf dem Weg zu einer globaleren Kultur wird uns unsere Kunst jedoch immer an unsere kollektive und jeweilige Vergangenheit erinnern.