Ursprünge und Schulen der abstrakten Kunst

Abstrakte Kunst (manchmal auch als nicht-objektive Kunst bezeichnet) ist ein Gemälde oder eine Skulptur, die keine Person, keinen Ort oder keine Sache in der natürlichen Welt darstellt. Bei der abstrakten Kunst ist das Thema der Arbeit das, was Sie sehen: Farbe, Formen, Pinselstriche, Größe, Maßstab und in einigen Fällen der Prozess selbst, wie beim Action Painting. 

Abstrakte Künstler sind bestrebt, nicht objektiv und nicht gegenständlich zu sein, sodass der Betrachter die Bedeutung jedes Kunstwerks auf seine Weise interpretieren kann. Abstrakte Kunst ist also keine übertriebene oder verzerrte Sicht der Welt, wie wir sie in den kubistischen Gemälden von Paul Cézanne (1839-1906) und Pablo Picasso (1881-1973) sehen, da sie eine Art konzeptuellen Realismus darstellen. Stattdessen werden Form und Farbe zum Fokus und Thema des Stückes.

Während einige Leute argumentieren mögen, dass abstrakte Kunst nicht die technischen Fähigkeiten von gegenständlicher Kunst erfordert, würden andere anfangen, sich zu unterscheiden. Es ist in der Tat eine der Hauptdebatten in der modernen Kunst geworden. Der russische abstrakte Künstler Vasily Kandinsky (1866-1944) hat es so ausgedrückt:

"Von allen Künsten ist die abstrakte Malerei die schwierigste. Sie verlangt, dass Sie gut zeichnen können, dass Sie ein gesteigertes Gespür für Komposition und Farben haben und ein wahrer Dichter sind. Letzteres ist von wesentlicher Bedeutung." 

Die Ursprünge der abstrakten Kunst

Kunsthistoriker bezeichnen das frühe 20. Jahrhundert typischerweise als einen wichtigen historischen Moment in der Geschichte der abstrakten Kunst. Während dieser Zeit arbeiteten Künstler daran, das zu schaffen, was sie als "reine Kunst" definierten: kreative Werke, die nicht auf visuellen Wahrnehmungen beruhten, sondern auf der Vorstellungskraft des Künstlers. Zu den einflussreichen Werken aus dieser Zeit zählen Kandinskys "Bild mit einem Kreis" von 1911 und "Caoutchouc", die der französische Avantgarde-Künstler Francis Picabia (1879-1953) 1909 schuf.

Die Wurzeln der abstrakten Kunst lassen sich jedoch noch viel weiter zurückverfolgen. Künstler, die mit Bewegungen wie dem Impressionismus und Expressionismus des 19. Jahrhunderts in Verbindung gebracht wurden, experimentierten mit der Idee, dass Malerei Emotionen und Subjektivität einfangen kann. Es muss sich nicht nur auf scheinbar objektive visuelle Wahrnehmungen konzentrieren. Viele alte Felsmalereien, Textilmuster und Keramikdesigns haben eine symbolische Realität eingefangen, anstatt zu versuchen, Objekte so zu präsentieren, wie wir sie sehen.

Frühe einflussreiche abstrakte Künstler

Kandinsky wird oft als einer der einflussreichsten abstrakten Künstler angesehen. Ein Blick auf die Entwicklung seines Stils von der gegenständlichen zur reinen abstrakten Kunst im Laufe der Jahre ist ein faszinierender Blick auf die Bewegung im Allgemeinen. Kandinsky selbst war geschickt darin zu erklären, wie ein abstrakter Künstler Farbe verwenden kann, um einen scheinbar bedeutungslosen Arbeitszweck zu erreichen.

Kandinsky glaubte, dass Farben Emotionen hervorrufen. Rot war lebhaft und selbstbewusst; Grün war friedlich mit innerer Kraft; blau war tief und übernatürlich; gelb kann warm, aufregend, störend oder total verrückt sein; und weiß schien still, aber voller möglichkeiten. Er wies auch Instrumententöne zu, die zu jeder Farbe passten. Rot klang wie eine Trompete; Grün klang wie eine Geige in mittlerer Position; Hellblau klang wie eine Flöte; Dunkelblau klang wie ein Cello, Gelb wie eine Trompetenfanfare; Weiß klang wie eine Pause in einer harmonischen Melodie.

Diese Analogien zu Klängen entsprangen Kandinskys Wertschätzung für Musik, insbesondere den Werken des zeitgenössischen Wiener Komponisten Arnold Schönberg (1874-1951). Kandinskys Titel beziehen sich oft auf die Farben in der Komposition oder auf Musik, zum Beispiel "Improvisation 28" und "Komposition II". 

Der französische Künstler Robert Delaunay (1885-1941) gehörte Kandinskys Blue Rider (Die Blaue Reiter) Gruppe. Mit seiner Frau, der in Russland geborenen Sonia Delaunay-Turk (1885-1979), tendierten beide zur Abstraktion in ihrer eigenen Bewegung, dem Orphismus oder dem Orphischen Kubismus.

Beispiele für abstrakte Kunst und Künstler

Heutzutage ist "abstrakte Kunst" oft ein Überbegriff, der eine breite Palette von Stilen und Kunstbewegungen umfasst. Darunter fallen nichtrepräsentative Kunst, nichtobjektive Kunst, abstrakter Expressionismus, Informel (eine Form der Gestik) und sogar ein Teil der Op-Art (optische Kunst, die sich auf Kunst bezieht, die sich optischer Illusionen bedient). Abstrakte Kunst kann aus gestischen, geometrischen, fließenden oder figurativen Dingen bestehen, die nicht visuell sind, wie z. B. Emotionen, Geräusche oder Spiritualität.

Während wir abstrakte Kunst mit Malerei und Skulptur in Verbindung bringen, kann sie auf jedes visuelle Medium angewendet werden, einschließlich Assemblage und Fotografie. Es sind jedoch die Maler, die die meiste Aufmerksamkeit in dieser Bewegung erhalten. Es gibt viele bemerkenswerte Künstler, die die verschiedenen Ansätze der abstrakten Kunst vertreten und die moderne Kunst maßgeblich beeinflusst haben.

• Carlo Carrà (1881-1966) war ein italienischer Maler, der vor allem für seine Arbeiten im Futurismus bekannt war, einer Form der abstrakten Kunst, die die Energie und die sich schnell verändernde Technologie des frühen 20. Jahrhunderts betonte. Während seiner Karriere arbeitete er auch im Kubismus und viele seiner Gemälde waren Abstraktionen der Realität. Sein Manifest "Malen von Geräuschen, Geräuschen und Gerüchen" (1913) beeinflusste jedoch viele abstrakte Künstler. Es erklärt seine Faszination für die Synästhesie, eine sensorische Überkreuzung, bei der man beispielsweise eine Farbe "riecht", die das Herzstück vieler abstrakter Kunstwerke ist.
• Umberto Boccioni (1882-1916) war ein weiterer italienischer Futurist, der sich auf geometrische Formen konzentrierte und stark vom Kubismus beeinflusst war. Seine Arbeit zeigt oft physische Bewegungen, wie sie in "States of Mind" (1911) zu sehen sind. Diese Serie von drei Gemälden fängt die Bewegung und Emotionen eines Bahnhofs ein und nicht die physische Darstellung von Fahrgästen und Zügen.
• Kasimir Malewitsch (1878-1935) war ein russischer Maler, den viele als Pionier der geometrischen abstrakten Kunst bezeichnen. Eines seiner bekanntesten Werke ist "Black Square" (1915). Es ist simpel, aber absolut faszinierend für Kunsthistoriker, denn laut einer Analyse von Tate ist es "das erste Mal, dass jemand ein Gemälde schuf, das nicht von etwas war". 
• Jackson Pollock (1912-1956), ein amerikanischer Maler, wird oft als ideale Darstellung des Abstrakten Expressionismus oder der Action-Malerei bezeichnet. Seine Arbeit ist mehr als Tropfen und Spritzer Farbe auf Leinwand, sondern voll gestisch und rhythmisch und verwendet oft sehr nicht-traditionelle Techniken. Zum Beispiel ist "Full Fathom Five" (1947) ein Öl auf Leinwand, das teilweise mit Reißnägeln, Münzen, Zigaretten und vielem mehr geschaffen wurde. Einige seiner Arbeiten, wie "There Were Seven in Eight" (1945), sind gewaltig und über zwei Meter breit.
• Mark Rothko (1903-1970) brachte die geometrischen Abstraktionen Malewitschs mit der Farbfeldmalerei auf eine neue Ebene der Moderne. Dieser amerikanische Maler stieg in den 1940er Jahren auf und machte Farbe zu einem eigenständigen Thema, das die abstrakte Kunst für die nächste Generation neu definierte. Seine Gemälde, wie "Four Darks in Red" (1958) und "Orange, Red and Yellow" (1961), zeichnen sich sowohl durch ihren Stil als auch durch ihre Größe aus.