Die Definition von 'Form' in Art

Der Begriff bilden kann verschiedene Dinge in der Kunst bedeuten. Bilden ist eines der sieben Kunstelemente und bezeichnet ein dreidimensionales Objekt im Raum. EIN formale Analyse eines Kunstwerks beschreibt, wie die Elemente und Prinzipien eines Kunstwerks unabhängig von ihrer Bedeutung und den Gefühlen oder Gedanken, die sie beim Betrachter hervorrufen können, zusammenwirken. Schließlich, bilden wird auch verwendet, um die physische Natur des Kunstwerks zu beschreiben, wie in der Metallskulptur, einem Ölgemälde usw.

Wenn zusammen mit dem Wort verwendet Kunst wie in Kunstform, es kann auch ein Medium des künstlerischen Ausdrucks sein, das als bildende Kunst anerkannt ist, oder ein unkonventionelles Medium, das so geschickt oder kreativ ist, dass es zur Ebene der bildenden Kunst aufsteigt.

Ein Element der Kunst

Form ist eines der sieben Elemente der Kunst, die das visuelle Werkzeug eines Künstlers sind, um ein Kunstwerk zu komponieren. Zur Form gehören außerdem Linie, Form, Wert, Farbe, Textur und Raum. Als ein Element der Kunst, bilden bezeichnet etwas Dreidimensionales und umschließt das Volumen mit Länge, Breite und Höhe im Vergleich dazu gestalten, Das ist zweidimensional oder flach. Eine Form ist eine dreidimensionale Form und kann wie Formen geometrisch oder organisch sein.

Geometrische Formen sind Formen, die mathematisch und präzise sind und wie in den geometrischen Grundformen Kugel, Würfel, Pyramide, Kegel und Zylinder genannt werden können. Ein Kreis wird zu einer dreidimensionalen Kugel, ein Quadrat wird zu einem Würfel, ein Dreieck wird zu einer Pyramide oder einem Kegel.

Geometrische Formen kommen am häufigsten in der Architektur und in der gebauten Umwelt vor, obwohl Sie sie auch in den Kugeln von Planeten und Blasen und beispielsweise im kristallinen Muster von Schneeflocken finden können.

Organische Formen sind solche, die frei fließend, kurvig, sehnig sind und nicht symmetrisch oder leicht messbar oder benannt sind. Sie kommen am häufigsten in der Natur vor, etwa in Form von Blumen, Ästen, Blättern, Pfützen, Wolken, Tieren, der menschlichen Figur usw., aber auch in den kühnen und phantasievollen Gebäuden des spanischen Architekten Antoni Gaudi (1852) bis 1926) sowie in vielen Skulpturen.

Form in der Skulptur

Die Form ist am engsten mit der Skulptur verbunden, da es sich um eine dreidimensionale Kunst handelt, die traditionell fast ausschließlich aus Form besteht, wobei Farbe und Textur untergeordnet sind. Dreidimensionale Formen können von mehr als einer Seite gesehen werden. Traditionell können Formen von allen Seiten betrachtet werden, die als Skulptur bezeichnet werden in der Runde, oder in Linderung, diejenigen, bei denen die geformten Elemente an einem festen Hintergrund haften bleiben, einschließlich Basrelief, Hautrelief, und versunkene Erleichterung. Historisch gesehen wurden Skulpturen nach dem Vorbild eines Helden oder Gottes angefertigt.

Das zwanzigste Jahrhundert erweiterte jedoch die Bedeutung der Skulptur und läutete das Konzept offener und geschlossener Formen ein, und die Bedeutung nimmt bis heute weiter zu. Skulpturen sind nicht mehr nur gegenständliche, statische, stationäre Formen mit einer festen undurchsichtigen Masse, die aus Stein gemeißelt oder aus Bronze modelliert wurde. Die Skulptur von heute kann abstrakt sein, aus verschiedenen Objekten zusammengesetzt, kinetisch sein, sich mit der Zeit verändern oder aus unkonventionellen Materialien wie Licht oder Hologrammen bestehen, wie dies bei dem bekannten Künstler James Turrell der Fall ist.

Skulpturen können relativ als geschlossene oder offene Formen charakterisiert werden. EIN geschlossene Form hat ein ähnliches Gefühl wie die traditionelle Form einer festen undurchsichtigen Masse. Auch wenn innerhalb des Formulars Leerzeichen vorhanden sind, sind diese enthalten und begrenzt. Eine geschlossene Form hat einen nach innen gerichteten Fokus auf die Form selbst, die vom Umgebungsraum isoliert ist. Ein Formular öffnen ist transparent, enthüllt seine Struktur und hat daher eine flüssigere und dynamischere Beziehung zum Umgebungsraum. Der negative Raum ist ein Hauptbestandteil und eine aktivierende Kraft einer Skulptur mit offener Form. Pablo Picasso (1881 bis 1973), Alexander Calder (1898 bis 1976) und Julio Gonzalez (1876 bis 1942) sind einige Künstler, die Skulpturen in offener Form aus Draht und anderen Materialien schufen.

Henry Moore (1898 bis 1986), der große englische Künstler, der zusammen mit seiner Zeitgenossin Barbara Hepworth (1903 bis 1975) die beiden wichtigsten britischen Bildhauer der modernen Kunst war, revolutionierte die Skulptur, indem er als erster die Form der Skulptur durchbohrte ihre biomorphen (bio = leben, morphic = form) skulpturen. Sie tat dies im Jahr 1931 und er tat es im Jahr 1932 und bemerkte, dass "sogar der Raum eine Form haben kann" und dass "ein Loch so viel Form haben kann wie eine feste Masse". 

Form im Zeichnen und Malen

Beim Zeichnen und Malen wird die Illusion einer dreidimensionalen Form durch die Verwendung von Licht und Schatten sowie die Wiedergabe von Wert und Ton vermittelt. Die Form wird durch die äußere Kontur eines Objekts definiert. So nehmen wir es zuerst wahr und beginnen, einen Sinn dafür zu entwickeln. Licht, Wert und Schatten helfen jedoch dabei, einem Objekt Form und Kontext im Raum zu geben, damit wir es vollständig identifizieren können.

Nehmen wir zum Beispiel eine einzelne Lichtquelle auf einer Kugel an, so ist der Höhepunkt der Punkt, an dem die Lichtquelle direkt auftrifft. Der Mittelton ist der mittlere Wert auf der Kugel, auf den das Licht nicht direkt trifft. der Kernschatten ist der Bereich auf der Kugel, auf den das Licht überhaupt nicht trifft und der dunkelste Teil der Kugel ist; Der geworfene Schatten ist der Bereich auf den umgebenden Flächen, der vom Objekt vor dem Licht geschützt wird. Das reflektierte Highlight ist Licht, das von den umgebenden Objekten und Oberflächen zurück auf das Objekt reflektiert wird. Mit diesen Richtlinien für Licht und Schatten kann jede einfache Form gezeichnet oder gemalt werden, um die Illusion einer dreidimensionalen Form zu erzeugen.

Je größer der Kontrast im Wert ist, desto ausgeprägter wird die dreidimensionale Form. Formulare, die mit geringen Wertschwankungen gerendert werden, erscheinen flacher als Formulare, die mit größeren Schwankungen und Kontrasten gerendert werden.

Historisch gesehen hat sich die Malerei von einer flachen Darstellung von Form und Raum zu einer dreidimensionalen Darstellung von Form und Raum hin zu einer Abstraktion entwickelt. Die ägyptische Malerei war flach, mit der menschlichen Form frontal dargestellt, aber mit dem Kopf und den Füßen im Profil. Die realistische Illusion der Form trat erst in der Renaissance zusammen mit der Entdeckung der Perspektive auf. Barockkünstler wie Caravaggio (1571 bis 1610) haben die Natur des Raumes, das Licht und die dreidimensionale Erfahrung des Raumes durch den Einsatz von Hell-Dunkel, dem starken Kontrast zwischen Hell und Dunkel, weiter erforscht. Die Darstellung der menschlichen Form wurde viel dynamischer, wobei Hell-Dunkel und Verkürzung den Formen ein Gefühl von Solidität und Gewicht verliehen und ein kraftvolles Gefühl von Dramatik erzeugten. Der Modernismus befreite die Künstler, abstrakter mit der Form zu spielen. Künstler wie Picasso, mit der Erfindung vonKubismus brach die Form auf, um Bewegung durch Raum und Zeit zu implizieren.

Ein Kunstwerk analysieren

Bei der Analyse eines Kunstwerks unterscheidet sich eine formale Analyse von der inhaltlichen oder kontextuellen. Eine formale Analyse bedeutet, die Elemente und Prinzipien der Kunst anzuwenden, um das Werk visuell zu analysieren. Die formale Analyse kann kompositorische Entscheidungen aufdecken, die dazu beitragen, den Inhalt, die Essenz, die Bedeutung und die Absicht des Künstlers zu verstärken und Hinweise auf den historischen Kontext zu geben.

Zum Beispiel die Gefühle des Geheimnisses, der Ehrfurcht und der Transzendenz, die von einigen der beständigsten Meisterwerke der Renaissance hervorgerufen werden, wie dem Mona Lisa (Leonardo da Vinci, 1517), Die Erschaffung Adams (Michelangelo, 1512), der Das letzte Abendmahl (Leonardo da Vinci, 1498) unterscheiden sich von den formalen Kompositionselementen und Prinzipien wie Linie, Farbe, Raum, Form, Kontrast, Betonung usw. des Künstlers, der das Gemälde geschaffen hat und die zu seiner Bedeutung, Wirkung und Wirkung beitragen zeitlose Qualität.

Ressourcen und weiterführende Literatur

• Bilden, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
• Die Kunst der Skulptur, Encyclopedia of Art, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
• Das Loch des Lebens, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
• Barbara Hepworth gegen Henry Moore, CultureWhisper, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
• Werke von Antoni Gaudi, http://whc.unesco.org/en/list/320
• Henry Moore-Stiftung, https://www.henry-moore.org
• Barbara Hepworth, https://barbarahepworth.org.uk
• James Turrell, http://jamesturrell.com

Ressourcen für Lehrer

• Die Elemente der Kunst: Form, Klassenstufe: 3-4, National Gallery of Art, https://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/elements-of-art/form.html
• Form und Gestalt in der Kunst: Unterrichtsprogramm für die Klassen K-4, Lehrerhandbuch, http://gettingtoknow.com/wp-content/uploads/shapeinartTG.pdf